Bernadette Bertrandias, Charlotte Brontë, Jane Eyre : la parole orpheline (Paris: Ellipses, 2004, 12,50€, 120 pages, ISBN 2-7298-1931-2)—Shannon Wells-Lassagne, Université de Bretagne Sud

L’ouvrage de Bernadette Bertrandias est une nouvelle monographie dans la collection « Marque-Page », collection d’études approfondies des grands classiques anglophones, et traite quasi-exclusivement du livre le plus connu de Charlotte Brontë. Le titre choisi, La parole orpheline, développe une lecture à la fois narratologique et psychanalytique, qui met l’accent sur l’importance des stratégies narratives dans cette autobiographie fictive, et en même temps propose une discussion approfondie du statut d’orpheline de la protagoniste et la narratrice. Après quelques pages introductives sur la biographie de Brontë, l’auteur s’attaque directement au sujet : elle s’interroge sur les implications du titre lui-même (Jane Eyre: An Autobiography) et le nom d’auteur qui lui est associé (« by Currer Bell »), faisant apparaître les enjeux narratologiques paradoxaux d’un tel intitulé. Par la même occasion, Bernadette Bertrandias fait comprendre que ce qui suit sera une analyse fouillée et minutieuse du roman. L’analyse présente tout d’abord les aspects structurels du texte : la complexité de la voix narrative, et l’importance du temps. De fait, les deux sont liés : cette prétendue autobiographie, racontant le passé de la narratrice, utilise essentiellement  le présent de narration, ce qui rend floue la distinction entre le « je » narrant et le « je » narré. De même, les nombreuses anachronies, où le rêve et l’hallucination prédominent, montre que Brontë a souhaité dépasser le cadre rigide de l’autobiographie fictive.

Cette interrogation sur la nature du roman amène à une analyse de l’appartenance générique du roman : l’auteur distingue le thème de la quête spirituelle, représentée notamment par Pilgrim’s Progress de John Bunyan, de la quête Romantique, et qualifie l’écriture de Jane Eyre à la fois de mimétique et de gothique. L’entre-deux présent dans les stratégies littéraires trouve son écho dans une dualité apparente à tous niveaux du récit, par exemple dans l’opposition entre le feu et l’eau, ou dans l’opposition entre Rochester et Saint John.

L’auteur rappelle également l’importance du symbolique dans le livre, se concentrant tout particulièrement sur la présence de la lune aux moments cruciaux de la trame narrative, présence qui est associée à la relation entre Jane et Rochester. Toutefois, Bernadette Bertrandias revient sur cette affirmation par la suite, expliquant que Brontë ne se laisse pas piéger par un symbolisme trop rigide, et que la signification de tels symboles n’est jamais figée, ni même toujours cohérente.

Dans la suite de l’étude, c’est en effet l’impossibilité de cantonner l’écriture de Brontë à un seul genre, à une seule signification, qui prédomine. Ainsi l’analyse de Jane Eyre comme une quête spirituelle de l’héroïne (qui est un aspect du texte trop souvent négligé par les critiques, comme le fait remarquer l’auteur) est plutôt convaincant : chacun des événements du roman serait alors une tentation  pour la protagoniste, la tentation divine représentée par Saint John faisant un parallèle avec la tentation terrestre de Rochester. Toutefois, une telle interprétation est sinon contradictoire, du moins problématisée par la fin du roman, où ce sont ses prétendants, et non la protagoniste elle-même, qui trouvent le chemin de la grâce : c’est Rochester, et non Jane, qui semble se repentir de ses fautes passées et reconnaître le bien-fondé du projet divin, et c’est Saint John qui clôt le récit avec sa mort digne d’un saint homme. La comparaison de Jane Eyre avec Pilgrim’s Progress est particulièrement intéressante, tout d’abord parce qu’elle permet de mettre en valeur la dimension religieuse, ou du moins spirituelle, du roman, mais aussi parce qu’elle permet d’évacuer la tentation de voir le texte comme un Bildungsroman : comme Bernadette Bertrandias le soulignera à de nombreuses reprises, ce sont les autres personnages (surtout Rochester), et non Jane, qui évoluent. Le monde s’adapte à Jane, et non le contraire.

De même, la quête romantique esquissée ici, c’est-à-dire la quête de l’individu vers la complétude, dans un combat contre une société trop rigide, trouve une justification dans cet ouvrage : l’histoire devient ainsi celle d’un personnage à la recherche d’indépendance, cette recherche se faisant ici au prix du sacrifice de la relation de Jane avec Rochester qui, de par son statut social et son argent, est son « maître » plus qu’il n’est son égal. L’auteur le souligne, ces deux quêtes, spirituelles et romantiques, ne sont pas contradictoires, mais complémentaires, si l’on considère que la spiritualité recherchée par le personnage outrepasse les conventions de la religion. Bertrandias suggère que le fameux appel télépathique de Rochester vers Jane, au moment où elle faillit, et demande à Dieu un signe de sa volonté,  peut être interprété comme la preuve que la voix de Dieu et la « voix intérieure » du personnage sont en fait les mêmes. Reste toujours cette célèbre fin paradoxale de Jane Eyre, où la protagoniste ne s’est pas convertie à une nouvelle vie avec Dieu, et où le dernier mot de Saint John affirme sa sainteté et en même temps permet une dernière critique des actions de l’héroïne : comment comprendre cette fin comme l’accomplissement de la quête ?

Le chevauchement d’une écriture mimétique et d’une écriture gothique est également exploré dans l’ouvrage : l’usage de l’hypotypose, l’importance du dialogue, et les tentatives d’effacement de l’instance narrative sont toutes citées comme des éléments mimétiques. L’écriture gothique est analysée comme une manifestation de l’angoisse de l’orpheline à l’idée de ne pas être sur le chemin de Dieu, et une longue analyse de l’épisode dans la « Red Room » présente la terreur de l’enfant comme une conséquence du bouleversement de la hiérarchie patriarcale, où Mrs Reed a définitivement pris le pouvoir que détenait autrefois son mari : en prenant appui sur Art of Darkness d’Anne Williams, Bertrandias propose le récit gothique comme une forme « sur-déterminé[e] par les codes familiaux[;] toute histoire gothique serait une histoire de famille : l’espace qui réifie la structure familiale avec son ordre et ses tensions, ses désordres potentiels, engendre lui-même les sentiments et réactions qui se constitueront en intrigue » [81]. Ce même espace gothique est recréé à Thornfield, où l’absence de l’autorité patriarcale de Rochester se conjugue avec une maison en apparence hantée, où Rochester est à la fois le maître de cette maison et son esclave. Le parallèle entre Gateshead et Thornfield est particulièrement évident quand Jane retrouve Rochester endormi dans un lit embrasé : le rouge de la fameuse chambre rappelle alors la flamme, et le « maître » est la figure paternelle sur le lit, en danger de mort. Bertrandias procède à une analyse étendue de la trame romanesque comme une série de tentatives de l’héroïne pour vaincre sa phobie résultant de l’expérience de la chambre rouge, dont Bertha n’est que la projection. La description de Ferndean en termes gothiques laisse penser que cette phobie n’est jamais entièrement surmontée, ou du moins que sa résolution reste problématique.

Les comparaisons avec Wuthering Heights et avec Wide Sargasso Sea viennent tard dans le texte, et restent brèves, ce que l’on peut un peu regretter. Toutefois, que l’on soit ou non d’accord avec l’approche psychanalytique de l’auteur, force est de constater que cet ouvrage permet d’aborder des éléments essentiels à l’étude du roman, et constitue donc une ouverture intéressante sur un grand classique de la littérature anglophone.